Diana kharis arts and word

Rios de sangre y oro

2009-05-15T15:41:00.000-07:00

Ríos de sangre y oro

"La técnica le dice al ser humano que puede intentarlo todo, pero no sucede esto sin crearle al mismo tiempo una nueva esclavitud: la de la máquina. Vivimos en un mundo de repetición que, pese a su comodidad, produce un gran desasosiego. De ahí que el arte exprese la paradoja de nuestra vida. De un lado, la complacencia en un mundo tecnificado, y por otro, la insatisfacción del espíritu” [Martín (1992). Historia del arte. Madrid: Gredos. Pg. 545].

Introducción:

La desaparición del sujeto activo, la del autor, por la del consumidor hacen de esta herencia un malestar existencial, tanto físico como mentalmente. La repercusión de esta forma de vida sobre la naturaleza humana, desemboca en un premonitorio holocausto que conlleva la extinción de la vida paulatinamente, el desarrollo social se da rodeado de medios que no le son naturales, para lo que explota su fuente de vida y a sí mismo, cayendo en la paradoja del en ragnarok o apocalipsis mitológico. Vivimos y nos desarrollamos entre paisajes industriales algunos heredados de un pasado más o menos lejano, que configuran nuestra historia, otros son nuevos espacios con las características actuales de la industria. Ambos nos hablan de un desarrollo que lidia con nuestra propia humanidad, pese a que este deseo es el que nos ha configurado como tales, el deseo de conquistar las adversidades, la naturaleza al hombre y a Dios.

Ser en la era de la maquina:

Sentirse útil es aportar algo que interesa a los demás, por ello la artesanía implica el deseo de hacer algo bien por el simple hecho de hacerlo bien, los seres humanos necesitamos la satisfacción de crear para desarrollarnos como tales. Sin embargo el nuevo orden post industrial, tanto en el trabajo, la educación y la política no satisface ni puede satisfacer dicho deseo. El mundo es demasiado móvil y acelerado para que el deseo de hacer algo por la simple necesidad creativa, eche raíces en la experiencia de una persona a lo largo de años y décadas.
La sociedad pasa de ser activa a una organización solitaria de absurda autodestrucción que se realiza en: trabajar, consumir, descansar. Nos encontramos invalidados por una información errónea, de cómo debemos vivir, utilizada para reforzar las estructuras de las maquinas consumidoras de energía. Que consumen el planeta y a nosotros mismos. En el engaño de la abundancia.
El ser humano ha ocupado su lugar e ingenuamente a dominando el avance tecno-científico que pasó a ser el nuevo objeto de fe, los nuevos dioses no fueron de carne y hueso, como se pensó en un principio tras la destrucción del dios judeocristiano.
El mundo con los valores positivista ha servido de fundamento y justificación a los pasados éxitos del sistema, con una visión idealizada de las sociedades industrializadas y urbanizadas, esta idea ilustrada-moderna del progreso pareció comenzar su consumación con el fluir vertiginoso de descubrimientos e inventos que se produjeron a finales del siglo XIX y a comienzos del XX.

Pero el progreso con su actual trayectoria no bastara para resolver los problemas causado, Es este tipo de técnica y ciencia es la que ha provocado la amenaza nuclear y la polución. La humanidad se enfrenta al hundimiento social y ecológico.

La energía como fuente y motor de dicho sistema es la causa y la finalidad de esta explotación ya sea física o económicamente, se da mediante la combinación del trabajo de los hombre y el de la maquina. Su búsqueda justifica tanto guerras como una explotación económica y medioambiental, de los países llamados del primer mundo, a los de en vía de desarrollo, el cemento es el material más consumido después del agua, en parte gracias a estos países en auge.
Creando una intrincada red de intercambios desiguales e hipocresía moral. Los poderosos, para no compartir su orden y la energía que consumen mantienen a los demás hombres en el estado de una energía degradada, explotada. Se niegan a darles los medios que les permitan estructurarse por sí mismos confinándolos en la desinformación e ignorancia. Es el hombre esclavo el hombre-máquina.
El sistema occidental para mantener su orden interno tiene que extraer cada vez más energía del exterior, mediante la explotación de la naturaleza y de los hombres, degrada la energía que toma de su entorno. Socializa el desorden y privatiza el orden propio, degradando el patrimonio de los demás y a los hombres mismos en esa producción.
Este sistema solo puede sobrevivir descubriendo nuevos lugares que degradar, organizando una red de comunicaciones y multinacionales en cadena que se ocupan de la mundialización de la degradación del patrimonio natural y humano. Las instituciones políticas que reproducen con precisión este sistema de mercado se organizar alrededor de entidades económicas, casi abstractas sin rostro, de las que no conocemos ni sus valores ni su ideología.

Desarrollo y consumo

La historia del progreso carece de sentido, ¿hay un progreso real en la vida humana? acaso los hombres son más inteligentes u honestos. Lo que llamamos con el genérico nombre de progreso está ligado a la decadencia. No es correcto afirma que el desarrollo tecnológico sea un progreso, menos cuando el saber y la responsabilidad humana no se conjugan en un mismo hacer. El crecimiento económico acelerado y la sociedad post industrial nos ha dejado un sabor que se contradice con la idea de progreso, el desarrollo tecnológico sigue su rumbo sin adaptarse a las condiciones de la sociedad. La Vida cómoda va perdiendo legitimidad ante el precio que conlleva, la destrucción el medio ambiente, el paro, la guerra y la mantención de las clases sociales, traducidas en actual orden, en el considerado tercer mundo.

El progreso científico industrial carece de una voluntad motivada por valores éticos y el proceso material de su crecimiento, causa en los países industriales altamente desarrollados más problemas de los que soluciona. Esta modernización no se traduce en una renovación ecológica y afecta al individuo como algo opresivo, una realidad constantemente cambiante de de la vida y las costumbres humanas a una velocidad que exige siempre una necesidad de modernización, con nuevos productos que creen nuevos trabajos. Se ha sustituido el progreso dirigido por la razón por un progreso técnico económico.
El máximo exponente de este consumo ligado al desarrollo tecnológico es la necesidad de energías y como tal fuete, el petróleo, con una población mundial en constante crecimiento demográfico e industrialización y una economía petrodependiente, como la nuestra, no es necesario agotar por completo las reservas petroleras, para comenzar un colapso. Si la demanda mundial de petróleo sobrepasa la producción del mismo en forma significativa, resulta en una disparada del precio, derrumbe de economías petróleo dependientes y explosiones de guerras por los recursos. Puede destruir por completo una economía petrodependiente y reducir a sus ciudadanos a la pobreza.
Se debe en parte a que en países dependientes, como EEUU es necesario más gasto energético de combustibles fósiles para producir un alimento ya que la producción esta motorizada, que la energía que produce ese alimento en una persona. Es decir las personas comen petróleo prácticamente y a efectos prácticos.

Nuestra vida diaria depende del petróleo: la agricultura, el transporte, la medicina moderna, la distribución de agua, son, enteramente potenciados por petróleo o químicos derivados del mismo. Así como cantidades importantes de petróleo para la construcción de plásticos, computadoras y todos los aparatos de alta tecnología. El dinero se convierte en un símbolo de petróleo y el dinero es energía, es el motor de funcionamiento de la vida postindustrial. Por ello la economía mundial, se ha vuelto cada vez más inestable, lo que se ha denominado ``crisis del capitalismo. La primera fuente de energía del hombre es hoy su principal problema, no sólo hace enfrentarse al hombre con el hombre, en conflictos bélicos para controlar y poseer las mayores reservas de crudo, sino que también puede poner fin a la existencia de la naturaleza tal y como la hemos conocido.
Los dueños de las grandes corporaciones privadas disponen y deponen de gobiernos y golpes de estados a nivel mundial cuando sus ganancias se ven amenazadas. Y establecen, para crear un mercado estable, las diferencias entre los países productores y los consumidores. Con la consecuente deuda ecológica que crean por su comportamiento ambiental irresponsable. España principalmente en los países de América Latina( Las posibilidades del petróleo, entre otros recursos estratégicos así como las rutas comerciales, son algunas de las causas que explican la militarización de Mesoamérica y otras regiones) Esta ideología neoliberal ha producido que los gobiernos dejen paso a las grandes empresas multinacionales actuar a su anchas, las especializadas en la energía, no solo deterioran el medio ambiente, sino también a los pueblos

Del arte al servicio de la maquina:

Del arte al servicio del poder, al arte al servicio de la maquina, ejemplo de ello que los movimientos de vanguardia, se inscribieron rápidamente como el símbolo de una nueva época tecno-científica y capitalista a la vez que la criticaron. Con la máxima embanderada, de que la creación no se da sin destrucción, y que para crear hay que destruir, tanto el arte clásico como la destrucción literal, de gente y de lugares. La industrialización, la urbanización y la tecnificación del mundo acompañada del espíritu positivista de la época, fue lo que los artistas plasmaron en sus obras. Hubo algunas críticas sobre la reducción de la vida a la ciencia y a su método. Sin embargo, los movimientos artísticos del siglo XX están profundamente atravesados por la tecnología .El capitalismo se encargó de asimilar estos movimientos artísticos y lanzarlos a la sociedad como mercancías, de modo que el público se quedó tranquilo de tener arte.

Los constructivistas alzaron el lema de`` El arte está muerto - Larga vida al arte de la máquina de Tatlin les unía la idea de un pensamiento materialista. Para todos ellos el arte constructivista y el artista como constructor han de proclamar las virtudes del nuevo estado obrero, el sistema político impone el sentido práctico la separación del movimiento en dos tendencias. Una de carácter utilitario, el artista al servicio de la revolución en el campo de la ingeniería y el diseño, y otra de naturaleza estética que defiende la libertad de creación y es la que llega a Europa. Propugnado el positivismo

Tras la pérdida de la ideología, del arte o de las clases sociales, nace lo que llamamos hoy posmodernismo se da la ruptura movimiento moderno que nos anuncia un nuevo tipo de sociedad, cuyo nombre más conocido es el de sociedad postindustrial de los mass media la nueva formación social en cuestión ya no obedece a las leyes del capitalismo clásico.sino a las del neoliberlismo econmico y de la información

Bibliografía :
• Attali, Jaquese. La palabra y la herramienta. Madrid. Tecnos 1981
• Romano, Vicente . Desarrollo y progreso. Barcelona. Teide.1993
• Sennett, Richard. La cultura del nuevo capitalismo. Barcelona.Anagrama.2006
Complementaria:
• Stiglitz, Joseph. E. Como hacer que funcione la globalización. Madrid.
Taurus.2006
• Martín. Historia del arte. Madrid: Gredos. 1992
• Foulcaut, Michael. ¿Que es un autor? DF, México. U.A de Txacala. 1990

breve historia del video

2009-04-24T04:39:00.000-07:00

VIDEO

La técnica del vídeo se desarrolla rápidamente como un nuevo medio, comunicativo y expresivo, el cual es asimilado rápidamente por los circuitos artísticos (galería, marchantes, ferias) que banalizan el objeto en si con tal de dinamizar el mercado. La evolución histórica de este nuevo medio, sus descubrimientos técnicos, avanzo gracias a la experimentación de diferentes artistas en colaboración con ingenieros (Paik y Shuya Abe, sintetizador). Paralelamente se desarrollaron diferentes tipos de expresión con la utilización de estos avances; videografia, video performan, videodanza, documental, video comunitario. Aboga por la necesidad de plantarse la relación existente de estos diferentes modos de utilización, concretamente lo que se denomina producto artístico y producto informativo.
La creación del video esta ligada desde sus orígenes con el medio televisivo ya que comparten las mismas bases tecnológicas, El video se manifiesta generalmente en contra del centralismo unidireccional de este medio, el cual es capaz de llegar a más publico al mismo tiempo que lo manipula como un nuevo instrumento del poder. (Mega televisión y macro televisión)
El nacimiento del videoarte como un lenguaje propio nace desde la experimentación, en torno al grupo fluxus (happening, neo dada y conceptual) se reunirán varios de los principales impulsores del uso del video (wolf Vostel, Nam june Paik) que utilizaran el video como un medio artístico en sus acciones (happenings) gracias a la manipulación eléctrica de las imágenes por medio de sintetizadores, lo cual genera formas abstractas, y ha generalizado la visón psicodélica y orientalista que tenemos de la Videografia.
El limitado acceso a los equipos y a la tecnología solo permitió este movimiento en países que poseían estos medios. Por ello la evolución del video en Europa es menor, hay un mayor control de los pocos medios existentes, por medio de cadenas televisivas estatales. En EEUU se concentra la mayor actividad artística y experimental, debido también a diferentes ayudas (fundación rokefeller) y creaciones de grupos experimentales en diferentes estaciones televisivas, (NCET, WGBH, WNET) en un principio con un carácter más formal y dirigidas a la manipulación eléctrica de las imágenes, posteriormente como un medio a utilizar para que el arte salga de los circuitos cerrados, mediante transmisiones esporádicas experimentales del trabajo realizado. Algunas de estas obras dirigidas específicamente para el público televisivo y que pretendían un replanteamiento de medio y del espectador, del cual se necesitaba que fuera activo para que la obra tuviese sentido, creando unos canales de comunicación bidireccionales donde el espectador no es un sujeto pasivo (Fred Forest, Daniel Buren, Robin Page, Douglas Davis…)
Otro tipo de utilización del video en el ámbito artístico es la performance en la que el medio sirve para documentar un arte procesual o arte de acción, el cuerpo en el espacio (Bruce Nauman) donde el video es relegado a un medio de registro en el proceso de trabajo.
En los apuntes de artista de Vito Acconci se ve la fuerte presencia del yo del artista, en este tipo de representación, va sujeta a unos códigos y símbolos personales incapaces de comprender para el profano. Gabriel Villota investiga el acto de la performan y como esta acción con el cuerpo (propio del artista) como instrumento central va ligada a una conducta narcisista dada en todo el ámbito artístico contemporáneo, una reflexión individualista que es una frustración perpetúa y cuestiona así mismo al sujeto moderno. Obtenemos placer visual al observar a otras personas como objetos (escoptofilia) y a su vez si nos identificamos con esta configuramos nuestro ego .de esta forma actúa la performan y más concretamente el sujeto que se muestra y el que observa. Durante la performan sin embargo no obtenemos el placer visual que esperamos, el cuerpo representa el fin de la persona la desintegración de la identidad para ser un símbolo de todo lo que constituye al sujeto. Mediante actos que rozan en muchos casos los límites físicos y cercanos a un lenguaje ritual, conectando con los terrores primigenios que nos hacen cuestionarnos como sujetos.
Hay que tener en cuenta que en el mercado del arte, un acto de este tipo tendrá más valor cuanto más transgresor y violento sea .Validándose cualquier tipo de acto, superponiendo el impacto visual frente al contenido La performan de desarrolla como una expresión de la intimidad personal del sujeto, gracias a una puesta en escena de el cuerpo como receptáculo de significados .Es un lenguaje propio que tiene mil lecturas e infinitas posibilidades, el papel que ejerce el video es secundario, la performan hay que vivirla para poder asimilar la emoción del instante, la tensión generada entre el que se muestra y el que observa. El video documental guarda para la posteridad algo perecedero, en este formato no transmite todo lo que es.
Generándose en otra línea discursiva, fuera del mercado y mundo artístico, se desarrolla el documental y la guerrilla televisión, como un lenguaje que no discute con el artístico y donde las fronteras no son fijas. Un fenómeno contracultural que plantea sus actividades en relación a comunidades determinadas (Pepole’s video teatre, Videofreex, Media acces center, Gloval villaje,Ant farm, Raindace,TVTV…)una televisión al servicio de la comunidad gracias al desarrollo de otras vías de comunicación alternativas, creación de estaciones de tv independiente(Lanesville,Videographe en Montreal )y un interés por la tv por cable como un espacio donde poder desarrollar libremente, su discurso militante contra el papel alienante de los mass media (macrotelevision, radio, prensa…) genera una lucha contra la pasividad del espectador frente a la tv como harán los video artistas.
son estos , trabajos reivindicativos contra los mass media globalizadores de una estética y pensamiento que como medios de`` información´´ y `` representación´´ influyen en la creación de los significados en nuestra sociedad, en el ámbito personal y consecuentemente en lo político (representación de género). La pasividad y asimilación frete a las imágenes por parte del espectador es un tema que tratan de diferentes modos, de forma militante o artística. Ambos métodos interesantes pero poco fructíferos ya sea por una escasa difusión o porque realmente, no hay publico que quiera consumir estas alternativas no pasivas. El consumidor mayoritario desea un entretenimiento lúdico que no requiera esfuerzo, y las grandes cadenas dirigidas en parte por las poderosas multinacionales cargan estos espacios televisivos con rápidas formulas, añadiendo un claro mensaje consumista; imágenes, productos, ideología. Con leves diferencias entre una cadena y otra, todos los medios informativos dicen estar en posesión de la verdad. Siempre hay colectivos no representados, realidades marginadas históricamente.
Dentro de este movimiento contracultural, que reivindica la voz de colectivos silenciados en los medios. Los colectivos feministas militantes alzan un eslogan contra el poder de la imagen y la representación masculina de lo femenino, Laura Mulve y Griselda polck teorizan sobre las imágenes en la cultura dominante ,Estas solo son significaciones masculinas(representaciones del otro, la mujer, el extranjero…) en el caso de la mujer se exhibe mediante signos corporales se le asigna un significado de carencia de castración(Freud ,Lacan) a un cuerpo de mujer que es integro en sí mismo, se convierte en un símbolo exhibido pasivamente al mirar activo masculino. Solo las mujeres pueden reafirmar su autoestima desde un planteamiento estructuralista, pese a que el significado de ``mujer´´ precede a cualquier tipo de representación (estas imágenes son una lectura) podemos cambiar estos significados cambiando el tipo de representación femenina en la sociedad, ya que la definición en la cultura dominante del término`` mujer´´ reafirma la misoginia. El sujeto se forma con la idea (de mujer) que la sociedad determina.
El problema más generalizado en la producción de video es la ausencia de unos canales de distribución para que su mensaje sea eficaz, de ahí un secreto anhelo de introducirse en la tv para cambiarla. En el lamado ``video artístico´´ el problema es similar ya que la distribución de betamax y VHS no genera beneficios.la solución en ambos casos parece ser la difusión por cable mediante televisiones comunitarias dirigidas a un público reducido (artists televisión Network, Soho tv) el lugar idóneo para la reproducción y difusión de los trabajos artísticos y contra informativos de video es el propio medio televisivo.

D.kharis

curriculum

2009-04-23T14:16:00.000-07:00

CURRICULUM

DATOS PERSONALES

Diana kharis Pindado Etxandi
Pamplona(Navarra) 31/08/85
Correo electrónico: dkharis@hotmail.com

DATOS ACADEMICOS:

• Actualmente cursando 4º de licenciatura Bellas artes. Barcelona.
• Beca Erasmus 2009/2010. Leipzig, Alemania
• Beca séneca 2008/09. Salamanca.
• Beca mec. Septiembre 2008 New York
• Beca mec Septiembre 2007 Dublín
• Bachillerato. Escuela de artes y oficios. 2005. Pamplona.

FORMACION COMPLEMENTARIA:

• Curso conservación restauración materiales arqueológicos. Consorcio de Mérida.(120h) Julio 2008 Mérida
• Taller de audiovisuales Noviembre 2004 Pamplona
• Grupo teatral. Plaza de la cruz 2004.Pamplona
• Radioemisión ``metropolis´´ radio Beriozar 2003
• Iniciación a la fotografía 2003 Pamplona
• Monográfico 1º Decoración el hogar, escuela de artes 2001 Pamplona

EXPOSICIONES Y MUESTRAS:

• Exposición colectiva, fundación Pere Jou, sala de ayuntamiento Abril 2008. Sitges. Cataluña
• Performance. casal jove mollet junio 2007.Mollet. Cataluña.
• Exposición colectiva. Escuela de arte. 2005. Pamplona. Navarra.
• Exposición colectiva. Casa cultural de la Chantrea 2003.Chantrea. Navarra

Name: Diana kharis. Pindado Etxandi
Birth placement and date: Pamplona (Navarra) 31/08/85
Email: dkharis@hotmail.com

EDUCATION AND TRAINING:

Now coursing 4º in Fine Arts. Barcelona
Erasmus grant in Leipzig, Alemania. 2009/2010
Séneca grant in Salamanca 2008/09
Mec grant in New york september 2008
mec grant in Dublin september 2007
Bachillerato (A levels). Escuela de Artes y Oficios. Pamplona 2005

WORK EXPERCIENCE AND ADITIONAL INFO:

Arqueological materials restoration a conservation course. Consorcio de Mérida.(120h) July 2008 Mérida

Audiovisual workshop. November 2004 Pamplona
Theater organization. Plaza de la cruz 2004.Pamplona
Radio transmission ``Metropolis´´. Beriozar Radio 2003
Basic photography course. 2003 Pamplona
1º Home decoration, Escuela de Artes, Pamplona. 2001

EXHIBITIONS:

·Group exhibition, Fundación Pere Jou, Sala de Ayuntamiento. April 2008. Sitges, Barcelona.

·Performance. Casal Jove Mollet. Mollet, Barcelona.Juny 2007.

Group exhibition. Escuela de arte Pamplona, Navarra. 2005.

Group exhibition. Casa cultural de la Chantrea, Navarra.2003.

graffiti y arte urbano

2009-04-23T09:35:00.000-07:00

GRAFFITI Y ARTE URBANO

APROPIACIÓN REIVINDICATIVA DEL ESPACIO URBANO:

La ciudad es un espacio fuertemente identitario, siempre significativo social y políticamente, debido en parte a la diferenciación de los espacios públicos y la discriminación económica, así como las manifestaciones artísticas o publicitarias, el orden del trafico o urbanístico conforma un espacio donde se refleja en su paisaje, su orden social o económico. De esta forma se concibe dos formas de entenderr el arte en espacio urbano.
La creciente necesidad de dinamizar el mercado del arte ha llevado a la apropiación del espacio publico por medio del arte institucional, representando la cultura de élite hermética y extraña para el espacio a la que se designaba , anulando el dialogo e imponiendo su visión a la población, el arte institucional aquel que se realiza por otras capas sociales, y que tiene su salida comercial en galerías y museos, se difunde en el mismo nivel social en que son producidas,contrariamente esta la expresión de identidad grupal como el graffiti apartada de los medios de actuación y expresión dominantes de la publicidad industrial, elitista y capitalista. El arte público institucional coloca piezas de mobiliario urbano, se diferencia del graffiti, en sus métodos y sus causas, sus fines ideológicos y estéticos. Busca una ciudad abierta democrática, sin espacios cerrados, donde se excluye lo negativo y se traslada a la gente, de los barrios históricos a los barrios periféricos, para aburguesar y embellecer formalmente un espacio, supuestamente conciliador de la sociedad. Útil para esta comunidad la cual es entendida como un conjunto abstracto interclasista que permite unificar en un solo criterio estético. Dentro de esta categoría podríamos nombrar también la publicidad comercial, mensajes oficiales que permanecen colocados y se nos imponen de forma unificadora al transeúnte que observa sin su consentimiento toda clase de propaganda del sistema de vida dominante.
La condición publica del espacio urbano, del graffiti conforma la cultura urbana contemporánea, este escapa conceptualmente del papel que la arquitectura y el urbanismo desarrollan en este espacio, y reafirma su identidad de clase y grupo frente al arte puramente formal, como grupo social genera otra serie de discursos fuera de los establecidos y tiene diferentes percepciones de la realidad, se ideologiza el entorno que es a su vez, su propio lugar y hábitat de relaciones, el graffiti puede hablar realmente de la gente que vive en su ciudad como integrantes de la misma, donde pueden plasmar su visión del mundo, (reivindicativa en sus orígenes Nueva Yorquinos ) es esencial para crear el espacio publico de la ciudad y su posición militante frente el arte publico oficial, que representa la ocupación de este espacio social y grupal por la presencia del poder que aniquila cualquier tipo de auto representación o autogestión y uniforma cualquier tipo de acción artística. La constante renovación por parte de estos artista callejeros en el espacio de la ciudad es necesaria ya se eliminan estos mensajes, politizados o ideológicos, para imponer los propios del capitalismo, ya sea en vallas publicitarias o mediante la reordenación urbanística, su manifestación publica en su espacio que le es natural, no responde a interese comerciales de ningún tipo, ni de las autoridades locales ya que esto significaría quitarle su importancia y simbología adherida, la importancia de su existencia de identidad dentro del marco del grupo social y de su ciudad, que es el marco para la supervivencia de su propia identidad ideológica, en su planteamiento su forma de ejecución, reivindicativa de producción de significados.
Al ser una manifestación efímera y sin contenido comercial no es artísticamente correcto, en cuanto que representa en si mismo la negación de la propiedad privada,(no se pide permiso para pintar en la ciudad, o los muros pues es un espacio publico y libre) nadie debería comprar o vender algo que nunca ha pertenecido a nadie y que no publicita mas que a la obra misma, por ello mover el graffiti es destruirlo quitarle su significado y descontextualizarlo.
Contrariamente la voz de la expresión institucional, que refuerza un tipo de sistema de cultura dominante quiere apropiarse del graffiti comercializarlo como un movimiento moderno e innovador etiquetándolo dentro del mercado y la historia del arte, el cual no debería cumplir los dictados de almacenamiento de bienes de consumo, por que representaría que su espíritu como histórico habría perecido.

GRAFFITI COMERCIAL:

Surge como una salida económica para los artistas callejeros y el interés de comerciantes, ya que se ha asumido que la estética graffiti ha modificado el espacio urbano y su configuración visual, haciendo que la sociedad participe de su existencia social y de identidad. Cuando el graffiti es publicidad pierde una de sus mas importantes características, de mensaje ideológico pasa a uno que reproduce los sistemas de publicidad capitalistas, mantiene su forma técnica, pero carece de su significado, a su vez quien encarga un graffiti espera una reproducción cercana al kicsch, entendido este como una reproducción de unas formas sin su significado inicial un acercamiento superficial, carente de comprensión que comparte el espacio publico con los graffitis ilegales y en cuanto forma son parecidos, pero su comprensión difiere, este representara una necesidad de consumo de estas imágenes subversivas en el entramado de los medios de comunicación y en el mercado de oferta demanda ,del sistema del capital.
La posibilidad de participar del prestigio social y económico que puede otorgar las condiciones de producción mercantil, del arte dentro del discurso institucional y potenciar una carrera individual fuera de las calles, embarca al movimiento en una sistemática perdida de su significado más cuando se buscan soportes alternativos que puedan ser almacenados y trasladados de exposición a exposición, (en vez del muro, libre de ser propiedad privada, ni cosificado al ser inmueble) descontextualizando el graffiti y otorgándole otro significado, acercándose mas a otras corrientes como el cine underground o el comic y el pop Art. Convirtiéndolo en otro bien de consumo, de imágenes y estéticas que hacen moda, dentro de los medios de comunicación de masas que distorsionan su significado y lo catalogan como una representación icnográfica de la modernidad. Para lo cual el mercado del arte necesita a sus estrellas icnográficas individuales, como el artista graffitero Jean-Michel Basquiat y la creación alrededor de su persona, del discurso del artista y los mecanismos que forman el arte de un gran artista.
Tras la transición de descontextualización del graffiti los estudiantes de arte dirigidos, a un mercado elitista, sabrán apropiarse de la forma formal del graffiti para extraer de su técnica y estilo desarrollos originales, pero el graffiti fuera de los márgenes comerciales seguirá siendo un arte ilegal por artistas callejeros sin animo de lucro, mientras los tratantes de arte y galeristas pretenden que se creen obras para coleccionistas con dinero,(Angelina jolie o Cristina Aguilera, ambas fans de Bansky han pagado cifras altísimas por sus obras) se legitimiza un arte estigmatizado como vandalismo pero solo dentro de los circuitos comerciales debido a todas las posibilidades de lucro inmersas en su representación icnográfica de la modernidad y del supuesto significado adherido al graffiti y que se queda como simple reproducción vacía dentro de estos márgenes elitistas y capitalistas, el que se queda fuera de esta juego será un arte efímero que será erradicado de las calles por las instituciones.
Pintar fuera del ámbito de lo público no es graffiti, es una pintura que ha sido realizada con una estética prestada, usar instrumentos como el aerógrafo lo aproxima a su vez al arte convencional y aceptado, los artistas que toman prestada la forma del graffiti se alejan del espacio urbano y cuando actúan en la calle lo hacen rodeados de medios de comunicación o de difusión, de sus performances (Bansky en el muro de Palestina o su actuación en disneyland) dirigidas a futuras exposiciones en museos o galerias.

LA PARADOJA DE BANSKY:

Es un popular artista de graffiti de Bristol, Reino Unido. Sus estarcidos con plantillas se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo con sus mensajes políticamente subversivos pueden encontrarse en las calles, los muros y edificios de todo el mundo, desde Londres a Nueva York. Banksy oculta su identidad real a la prensa general, lo que ha propiciado su fama y la creación del mito individualista como artista.como ocurrió con la mitificacion con intereses claramente comerciales de Basquiat. El anonimato necesario para un graffitero por motivos judiciales y policiales ha cambiado su significado para darle un matiz muy diferente en el que se mitifica su persona como un héroe moderno enmascarado. Banksy ha podido esculpir su carrera en base a permanecer en el anonimato y su seudo anonimato alimenta el apetito de la prensa, sólo incrementa el interés en torno a su figura, además la gente que trabaja para Banksy y ayuda a promover su trabajo es tan difícil de contactar como el propio artista. Jo Brooks es el dueño de la empresa que se encarga de las Relaciones Públicas de Bansky, JBPR el cual se niega a conversar sobre la identidad de su cliente este entramado ayuda a crear una táctica publicitaria, que ya ha logrado ascender sus obras alas mas prestigiosas galerías de pronto lo han convertido en uno de los grandes nombres del arte, un lienzo suyo donde se ve a pensionistas jugando a las bochas con bombas rompió la barrera de los US$ 200.000. Es un nuevo récord en la subasta de sus obras, y lo consagra como miembro de la élite artística.
Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado "daño criminal" puede estar influida por los Ad Jammers (de un movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje), paradojicamete también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV, y vende cuadros en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas como el colectivo anarquitectos space hijackers que en 2004 repartio octavillas falsas frente a una esposicion de Bansky para resaltar lo ironico del uso que hace el artista de la ideología anti capitalista y de protesta cuando a su vez trabaja para grandes empresas y galerías que intentan adueñarse del espíritu y el beneficio economico que presenta un plato tan sabroso como el arte social ,pero que a su vez lo descontestualizan y pierde su mensaje reivindicativo al entrar en los circuitos comunes del arte,que no es popular sino elitista para la burguesía y las instituciones que pueden adquirir su elevados costes. El mejor ejemplo de su ironía es quizás su obra “Destroy Capitalism” donde un grupo de presuntos antisistema compra camisetas anticapitalismo a su vez se ríe de las criticas que otros graffiteros le pueden hacer pues todos compramos imágenes que representan ideologicamente la sociedad capitalista actual.Quizás por ello abrió una tienda en su web en la tienda todo es gratis, son imágenes para que descargues y te las imprimas tú mismo. Como el dice “las impresiones te quedarán mejor si las haces en papel brillante, usando la impresora de tu empresa cuando todos se vayan a comer“en sus mismas palabras se evidencia la ironía y la certeza del creciente consumo de imagenes ideologicas anti-sistema, que pierden sus carácter reivindicativo Banksy ha liberado un total de 12 obras para que todos puedan tener una obra suya en su casa, y no se le tache de vendido al capital y la burguesía.
También se le critica que plasme mensajes anti-sistema en barrios y edificios cuyos habitantes no los comparten.se apropia de un espacio pero en este detalle permanece el espíritu graffitero de la no propiedad y el arte fuera de los sistemas establecidos.
Aparte de su obra en la calle, Banksy es conocido por su performances y colgar sin autorización algunas de sus obras en museos, lo cual demuestra su interés por un reconocimiento institucional,y para lograrlo en la cultura posmodernista utiliza los iconos sociales contemporáneos de mercado y comunicación ,como el pop art, dándole un trasfondo social y dialogo publico necesita ser impactante decir algo un mensaje y a su vez reutiliza el mito modernista del artista ,original, irreverente ,anónimo individual.(se separa completamente de la mentalidad del individuo grupal en el movimiento graffitero,en este el individuo es parte de la sociedad el grupo o banda y juega su papel que reafirma su identidad grupal unitaria activa artisticamente e ideológicamente). De este modo, ha expuesto su obra en la Galería Tate Modern de Londres; el MOMA (Museum of Modern Art), Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Brooklyn, y el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York, y el Museo Británico de Londres. Hace una obra con una cierta credibilidad para el lugar donde la va a colocar, aunque al mismo tiempo tenga algún toque subversivo, un spray o una pintada en un cuadro del XVIII. Le pone un marco adecuado va al museo y busca un hueco para colgarla segun el sus obras, ``eran merecedoras de estar allí, así que no veo porqué debería esperar” es una necesidad de reconocmiento institucional artistico valiendose para conseguirlo de un discurso antisistema.
Sus últimas intervenciones, van desde pintar con aerosol animales vivos o realizar satíricas imágenes de paraísos en el muro que separa a Israel de los territorios palestinos. murales que combinan varias técnicas, pone su punto de mira en el muro de la vergüenza israelí , como graffitero urbano, abre la veda para que el ilegal muro se parezca al muro de Berlín que, cuando se derribó, estaba completamente lleno de pintadas y murales. Su acción sirve para denunciar pero a su vez es una utilización de una temática controvertida, que ya sabe, que de por si tiene impacto social, su acción no sirve para ayudar a estas personas solo sirve para darse publicidad, su intervención a sido recogida y difundida en todos los periódicos.
Irónicamente mientras su trabajo ha sido portada de los álbumes de la banda británica Blur ha dado el cambiazo a 500 discos de Paris Hilton, el icono supremo de la frivolidad y la burricie, ha sustituido en 42 tiendas del Reino Unido del Reino Unido unos 500 CDs debut de Paris Hilton por otras copias en los que ha incluido sus propios remixes de los temas y fotomontajes en los que aparece Hilton en topless o con cabeza de perro. Ha mantenido además el código de barras original con lo que nadie se da cuenta del cambio hasta el momento de llegar a casa. El disco, ya se vende en eBay en una puja que de momento va por las 250 libras (unos 370 €). Por ultimo coló un muñeco, réplica a escala humana, vestido como un prisionero de Guantánamo en una atracción del Disney’s California Adventure Park, La broma tenía por objeto enfatizar la apremiante situación en la que se encuentran los sospechosos de terrorismo en el controvertido centro de detención estadounidense en Cuba.
Hay varios temas que se repiten en la obra de Banksy: Ratas, oportunidades de foto (lugares típicos donde los turistas desearían hacer una foto sin pintadas), soldados orinando, policías.Policias que se besan, La Mona Lisa sonríe con un bazooka, ratas que cortan candados y cadenas, un tigre que escapa de su cárcel-código de barras, pájaros que destrozan cámaras de seguridad…su capacidad para crear un discurso crítico político es lo que le ha dado fama, también por su interacción de sus graffitis, con la ciudad ,dando al paisaje un lenguaje que interactúa con la vida cotidiana de las personas.
pero es una apropiación indebida o una preafirmación de la identidad propia en su ciudad, donde el habita,su voz no se hace anónima ,ni su posición dentro de ella. la discordia se crea al plantearnos si su individualidad característica se debe quizás a un juego de marketing. Los intereses comerciales parecen capaces de asimilar cualquier nueva manifestación artística, mas si es innovadora, la vanguardia fue rápidamente comercializada y sus artistas se convirtieron en nuestros clásicos modernos, igualmente que con el graffiti de Bansky aunque deje de ser radical, reproducirá las formas del graffiti antisistema para abastecer el mercado del arte, convirtiéndose irónicamente en la cultura oficial, institucional, controlada y neoconservadora.
Banksy también se ha auto publicado varios libros con fotografías de su obra en varios países, además de sus obras en lienzo y sus exposiciones, acompañadas de sus subversivos y a menudo agudos escritos, van dirigidos a sus seguidores de todo el mundo, creando a su vez una oferta y demanda creciente .Su primer libro, publicado en blanco y negro es Banging your head against a brick wall ("Golpeando tu cabeza contra una pared de ladrillo") seguido de Existencilism (de existencialism -"existencialismo"- y stencil -"plantilla"-). En 2004 publicó Cut it Out.

En esta imagen se ve claramente, la compenetración que Bansky crea con el entorno urbano y como sus obras se vuelven parte de la configuración visual e icnográfica de la ciudad.

BIBLIOGRAFIA:

www.banksy.co.uk/ - 2k
es.wikipedia.org/wiki/Banksy
Documental británico sobre Banksy http://www.youtube.com/watch?v=8e0IJSOq0xg
http://www.woostercollective.com/
http://www.banksy.co.uk/shop/
http://news.bbc.co.uk/hi/spanish/misc/newsid_6344000/6344937.stm
Graffiti, La palabra o la imagen: Jesús Diego. Edt: Libros de la frontera Barcelona 2000
Graffiti, arte urbano delos cinco continentes: Nicolás Ganz. Edt: Gustavo Gil

D.kharis

mujeres y videoart

2009-04-23T08:30:00.000-07:00

Mujeres y vídeo

Las mujeres y los medios de la representación

Cuando, hacia finales de la década de los sesenta, el vídeo entró en escena, el mundo artístico, se encontraba en un estado de efervescencia y mestizaje. Arte del proceso happenings, performances, land art, arte conceptual y fluxux. Mientras en el mundo, el feminismo, la revuelta estudiantil, la revolución sexual, la contracultura uderground y el movimiento por los derechos civiles atacaban la Univisión política y social, se reivindicaban otros modos de ver y desarrollarse como personas que el establecido. Las mujeres poco a poco alzaban la voz, y las artistas empezaron a crear y reivindicar una imagen de la mujer que desafiaba los estereotipos tradicionales.

En un mundo del arte que veneraba el genio del artista varón y una historia del arte, la cual no menciona el nombre ni la obra de una sola mujer artista (Janson: History of Art EEUU) en este periodo el alto modernismo, el expresionismo abstracto y la pintura monocroma dominaban la escena artistica, ya que el discurso modernista aseguran la presencia individualista del artista, una subjetividad valorada en su masculinidad. Los primeros indicios de un cambio en el mundo artístico llegan con el pop art al ser opuesto al modernismo, el ambiente social de los sesenta también contribuyo a este cambio del seno de los discursos de la diferencia, surgió también un movimiento de arte feminista por la creciente influencia de la televisión.

El vídeo, a diferencia de los ámbitos de la pintura y la escultura (una tradición dominada por el hombre) ofrecía a las artistas, la oportunidad de trabajar en igualdad de condiciones con sus compañeros. Eran libres de utilizar este medio de la manera que les interesara, las artistas mujeres como el resto de participantes en la evolución de video provenían de diferentes disciplinas artísticas (pintura, escultura, cinematografía, música, teatro y danza) coincidieron en el uso del vídeo generalmente para investigar cuestiones personales y políticas, (lo personal es político) referidas a la condición femenina y a la sexualidad. Sus actividades artísticas como políticas. Una actividad política que tiene la creatividad como instrumentos de lucha a la vez que se sumerge en subjetividad de la artista sin preocuparse por la forma, que suponían como debía de ser la modernidad, su obra trasciende tales tópicos para adentrarse en lo íntimo de una historia personal con una crítica social y cultura.

Al dirigir la cámara de vídeo sobre ellas mismas y su vida cotidiana, al presentar el mundo desde una óptica específica, las mujeres empezaban a controlar su propia imagen. La cual había sido representada y simbolizada desde la visión masculina, que decía y validaba que era una mujer. Las artistas mediante este proceso de una nueva representación de la imagen femenina, redefinían la realidad al reafirmar la validez de las experiencias de mujer. Rompiendo con el arte predominante masculino el minimalismo contra objetos desordenados, informales ``postminimalismo". Hicieron parte del camino para el desarrollo videográfico de los años ochenta y noventa.

No hay que caer sin embargo en el estereotipo femenino que homogeniza el trabajo de las mujeres al considerarlo determinado por el género natural, El trabajo de las mujeres artistas es amplio y creativo `` heterogeneidad del arte femenino ´´ es evidente también que una artista no puede cambiar uno de sus roles, es el ser mujer ,esta misma categoría define y diferencia .El arte de las mujeres (literario, pictórico…) es necesariamente distinto del de sus homólogos masculinos, diferencias que surgirían aparte de la raza, de la clase social, y de la orientación sexual.

Pese a los cambios ocurridos tanto en la tecnología, en política y en sociedad, la situación sigue igual, se discrimina en cualquier ámbito a las mujeres. Además, existe una discriminación entre las propias mujeres en debido a su clase social y raza. Las mujeres han sido víctimas de los prejuicios masculinos y están divididas entre ellas. Por ello está unido el discurso feminista con cualquier debate sobre la diferencia, ya sea; sexual, racial, género clase

Video y representación de género

La primera generación: mujeres que trabajan en vídeo se remonta 1970-1975 durante los orígenes y la evolución del vídeo descubrieron un medio inédito, se pone así de manifiesto papel significativo de las mujeres en el desarrollo de este, no fueron las únicas pioneras de esta frontera tecnológica (Nam June Paik, Vito Acconci, Bruce Nauman) pero por primera vez no estaban solos había igualdad en el mundo de los videoartista ambos sexos se aliaron para fundar el género del video-arte y ambos trataron la temática de género ( Vostell: encofrado de la vagina)

Eran un conjunto internacional de mujeres que trabajan desde 1968, la gran mayoría de sus imágenes se basan en un poder político y representacional concreto, son asuntos de la vida real, al tiempo que es un espacio de representación asociado con su propia feminidad. Coinciden en este campo artístico pese a que sus orígenes culturales y sociales sean diferentes. Estas imágenes de género deshacen la homogeneización de una sola visión, luchando con el poder de los medios de comunicación derribando unos muros personales y culturales. Se descubre el video como un arma de contracultura. Su actividad se desarrolla dentro del frenesí de la cultura audiovisual gracias a la creciente facilidad de adquisición de equipos de grabación, debido al rápido desarrollo tecnológico. Estas mujeres usan el vídeo y el cine buscando que se sus obras contengan elementos perceptibles que las identifiquen como lo que son. Las mujeres muestran sus propios criterios estéticos valiéndose a menudo de medios alternativos para transmitir sus mensajes, contrarios al arte conceptual y de su sucesor el minimalismo, su contenido se refiere a la identidad individual y femenina , la opresión, la discriminación, la maternidad, el género. Estos temas son tratados con una sensibilidad especial, diferente a un artista masculino tratando los mismos temas ya que lo hacen desde su conocimiento de propio de género. Muchas no obstante tenían interés por los aspectos formalistas del vídeo artístico pero integraban asuntos personales y políticos a su trabajo. Estas artistas emplearon el medio del vídeo para cuestionar los roles femeninos convencionales y el papel de los medios en la construcción de éstos. (Semiotics of the Kitchen Martha Rosler 1975, Vertical Roll de Joan Jonas 1971, o Technology/Transformation: Wonder Woman Dara Birnbaum) utilizan como recurso la repetición para poner de manifestación la repetición de los roles de género en la sociedad donde juega un papel predeterminado el vídeo como un instrumento idóneo para enseñar las representaciones ya que permite grabar y manipular una verdadera actuación, trastocando los mitos y símbolos de la sociedad, a la vez que crea un discurso sobre el yo real

Tras una década de estancamiento del video no fue hasta los noventa que el concepto de vídeo-instalación logró ser aceptado por las instituciones.

La performance y la autorrepresentacion de la mujer como sujeto

Un amplio movimiento de artistas visuales tránsito hacia el happening y, más tarde, hacia el performance. Significaba un intento de evitar la mercantilización de sus obras, querían hacer un arte efímero transitorio e inmaterial, el performance es un arte vivo, donde la experiencia es insustituible, cruza las fronteras artísticas y disciplinarias en busca de nuevos lenguajes, nuevos espacios y nuevos materiales para generar experiencias inéditas que enfatizan el proceso de creación y conceptualización frente al producto y que hacen del cuerpo del artista su materia prima. Esta utilización del cuerpo como escenario de determinadas representaciones adquiere una dimensión política de índole feminista.

Son las mujeres las que más han utilizado la exploración de su propio cuerpo con el deseo de ver afirmado las particularidades del mismo desde una visión diferente a la masculina. (`` Tu cuerpo es tu campo de batalla´´ Barbara kruger) Estos modos de operar han sido un logro como una adquisición por parte de la mujer de su consciencia de sujeto, que a su vez le permite cuestionar las condiciones de género, la mujer hasta este momento se encontraba fuera del ámbito cultural, por su falta de individualidad y autoconciencia, mediante una reflexión sobre si mismo se adquiere un cuerpo autoconsciente que cuestiona el ideal masculino que define lo femenino. Para ello se transgrede este cuerpo y lo que simboliza en la imaginería masculina, se rompen todas las normas que habían impedido la expansión del cuerpo de mujer a lo largo de la historia.

Es por medio del ejercicio de la mirada que se ha vaciado a la mujer de cualquier contenido subjetivo reduciéndola al ser que es mirado y que no tienen esa misma capacidad, por ello mismo incapaz de producir unas representaciones propias , condenándola a la pasividad ,al objeto del placer de la mirada. En estas performances se vive el cuerpo como una construcción propia y no como resultado de las representaciones y significados masculinos, la mujer se adueña de sí misma,(carving: a traditional scupture Eleanor Antin1972) transgrediendo los límites fijados de lo que espera encontrar el que ejerce la mirada dominante .Resultando molesto para la vison poniendo de manifiesto todo aquello que estaba excluido del ideal femenino,enfermedades, deformaciones…cuerpo femenino que puede ser imperfecto y ruinoso.(Gina pane ``death control´´)

El cuerpo de la performancera es el soporte de la obra, subraya, su cuerpo se convierte en la materia prima con que experimenta, explora, cuestiona y transforma. El cuerpo es tanto herramienta como producto, son creadoras y creación artística simultáneamente. Al tomar elementos de la vida cotidiana como material de su trabajo exploran su problemática personal, política, económica y social. Reflexionan sobre el arte mismo y establecen una compleja relación con la audiencia.

En el performance las artistas se presentan a sí mismas, es la acción en tiempo real, convierten su cuerpo en significado y significante, en objeto y sujeto de la acción, permite la experiencia del momento, del instante, es una arte donde la inmediatez adquiere significado.

Las artistas desde esta autoconciencia rompen tabúes y trasgreden una moral hipócrita mediante una exploración de su cuerpo y la búsqueda de una sexualidad libre, Al destruir la relación socialmente aceptada entre lo público y lo privado las artistas intervienen la realidad creando una sensación de desazón en el publico y una ruptura de la lectura de los significados exaltan los sentidos y llevan su cuerpo a sus límites físicos.

El tema de la identidad lo abordan no solamente desde una orientación de género, sino también con relación a una imaginería y cosmogonía ancestral, que presenta al cuerpo en su correspondencia con lo sobrenatural, creando un espacio sagrado donde incorporan elementos dotados de una significación mística. Trasladarse a lo desconocido, emprender travesías hacia sí mismas y hacia su entorno, descubrir y descubrirse.

En los 90, el performance dejó de ser un evento underground y pasó a ser un arte reconocido institucionalmente.

Artistas y obra

A partir de años 60 asistimos a una incorporación progresiva de los elementos audio-visuales en el arte contemporáneo. Se produjo una división del videoarte entre técnica y temática. El videoarte de mujeres fue usado fundamentalmente para explorar la identidad femenina y su sexualidad, criticando al unísono la sociedad patriarcal y el abuso de la violencia reivindicando su identidad femenina.

En el 1 festival anual de video feminista con los primeros trabajos de carácter documental se centraron en la diferencia sexual y la conciencia feminista, eran de sobrios y exactos y mostraban los procesos cotidianos de la mujer en sociedad y en la historia destinados a promover su autoconciencia

Algunos de los trabajos emblemáticos del arte de mujeres se caracterizan por la cólera contenida de una cultura silenciada.

Artistas como Hannah Wilke, Mary Lucier, Ana Mendieta, Carolee Schneemann, Joan Jonas, Ulrike Rosenbach frederike Pezold,Linda Benglis, Catherine Ikam,,Marta Minujin y Valie export en su mayoría expusieron su cuerpo y su desnudez como forma de reclamar el control sobre su propio cuerpo, Maria Nelly`` Documento Postparto de 1974´´ o la obra de Judy Chicago`` Las Abluciones de en 1972´´``Diner party proyect´´1973 la ultima cena feminista donde se reunieron más de 200 personas donde la vajilla tenía motivos, erótico satíricos ``red flag 1971´´ desarrollo innovaciones en el ámbito de la performance, la instalación y el auto body paiting desarrollando un afilado y suculento estilo denominadao`` Finish fetish( fetiche final) con Miriam shapiro creó el ``feminist cut program´´1971.

Por otra parte si analizábamos la evolución del videoarte a partir de la década de los años 60 hasta la actualidad, observamos como el videoarte femenino ha sido influenciado por los diversos tipos de feminismos existentes.

La obras de mujeres artistas del ámbito internacional contribuyeron significativamente al desarrollo del vídeo como lenguaje artístico. La importancia de la presencia femenina en los llamados medios y formas artísticas “alternativas” (performance, libros de artistas, vídeo, etc.) es incontestable. Durante este periodo de investigación artística y explosión política, produjeron un gran número de obras llenas de coherencia e inspiración, actuando como nexo de unión entre la modernidad y la posmodernidad.

La vicepresidenta de Fluxus, Shigeko Kubota, contribuyó a la trasgresión estética de los setenta en el ámbito del video, trasladó al vídeo la idea de performance y de evento Fluxus. Duchampiana. Nude Descending a Staircase (1976) se inspira en la famosa y trasgresora pintura de Marcel Duchamp para provocar, a su vez, otra trasgresión. Esta amplia selección de trabajos muestra cómo las mujeres encontraron su propia voz frente a las políticas discriminatorias, fuera y dentro del mundo del arte, y hace patente el uso tan distinto que dieron al vídeo respecto a sus homólogos masculinos.

Joan Jonas explora las posibilidades de una imaginería femenina con la intención de hacer un espectáculo mágico jugando con disfraces y las imágenes que estos sugieren , trabaja desde una subjetividad fragmentada sus performances basada en videos nos muestra un cuerpo burgués, privado y egocéntrico ``Vertical Roll´´(1972) No vemos su cuerpo al completo lo vemos fragmentado, deconstruyendo el cuerpo femenino, rostro , mano, piernas… todos tienen vida propia comienza por la cabeza significante de su propia individualidad, su ego, la cámara cae lentamente y es interrumpido por un movimiento de cortina de la barra vertical que le permite dislocar el espacio y fracturar la imagen incesantemente, golpeando la cabeza sin pausa hacia la parte superior del cuadro, sus pies van ocupando la pantalla, su cuerpo parece suspendido da la apariencia de un cuerpo suspendido en el espacio aislado del mundo, el cuerpo es el objeto y el video una construcción teatral donde se autorretrata. Introduce al público a un espacio privado e individual creándoles una sensación desestabilizadora, enfatizado con el movimiento de la barra vertical. Esta misma sensación produce ``organic honey’s visual telepaty´´ (1972) donde lleva una máscara casi translucida que se puede confundir con su rostro real tiene una función de distanciamiento entre ella y quien le mira trata la problemática del sujeto espectador que reduce el género a un significado orgánico, la máscara que exhibe lo femenino puede llevarse o dejarse de lado. Estos juegos de dobles y espejos se tratan en``he saw her burning ( el vio como ella se quemaba )1983 un video basado en una performance 1973 es un provocativo collage narrativo , una yuxtaposición de surrealista de dos textos dos visiones y modos de ver ( el vio arder a una mujer en la calle, ella vio a un soldado americano volverse loco) hay una dislocación de la alineación , los dos personajes ocupan diferentes espacios narrativos , mientras cuentan sus diferentes historias. Cuál es la versión de la historia que ocurrió primero, crea dobles imágenes y realidades por medio de elementos iconográficos

Martha Rosler Semiótica de la cocina) ``Semiotics of the Kitchen´´ (1975), que se adentra en la importancia de la significación de objetos como el propio significado de mujer mediante la repetición sin sentido, de unos objetos de cocina que se suponen en el mundo de la mujer. ``vitalsatistics of a citizen simply obtained´´ (estadísticas vitales de un ciudadano, obtenidas fácilmente) donde examina la conversión de las mujeres en objetos en la sociedad tecnológica, muestra un largo plano continuo como examen hacia una mujer por parte de un examinador blanco, plantea como nos hemos llegado a considera a nosotras mismas cuales objetos fragmentados y comparados. Nuestros cuerpos son escrutados medidos y clasificados. En una comparación con las opresiones armadas de un campo de concentración. Sus trabajos se basan en una deconstrucción del espacio de la representación para construir una alternativa a la estructura de la visión patriarcal. Mediante una crítica a las imágenes y las estrategias de la cultura de masas, la visión no es inocente está estructurada a partir de la diferenciación sexual, la imagen de la mujer es prisionera en un orden simbólico que se le impone a través del mandato lingüístico.

La austriaca Valie Export ya experimentaba con este medio hacia finales de los años sesenta. Formando parte de grupos de vanguardia vieneses .En Tapp-und Task Kino (l968), por ejemplo, ella habla de la ambivalencia del cuerpo, del desplazamiento del sentido y de las estrategias de dominación en las relaciones de género. La indagación alrededor de la categoría “mujer” en términos de sexo versus género, biología versus sociedad, lo esencial versus lo construido, entre otras dicotomías, forma una de las facetas más importantes de los estudios de la mujer desde hace varias décadas en su video `` a perfect pair´´ ( una pareja perfecta)1987 representa un bar donde las personas hombres y mujeres son considerados mercancías, parejas exhibidas ante la sociedad. Pero sin duda la acciones mas famosa de Valie Export son Genitalpanik en 1969 Touch Cinema1972 las cuales forman ya parte de una leyenda a falta de un video que documentase lo acecido en el espacio en el que intervino , por ello las conjeturas abundan , nos quedan la serie fotográfica en la que se la ve empuñando el arma y con la entrepierna del pantalón abierta mostrando su sexo como un ataque que atemoriza en su visión real ,destruyendo la imaginería sobre la mujer.

Ulrike Rosenbach superpone la imagen antagónica de dos mujeres, explorando el cliché de la mujer con una determinada didáctica moral, ``glauben sie nicht dab eine amazone bin´´ ( no crean que soy una amazona )1975 confronta a dos imágenes de mujeres con un carácter místico simbólico dentro de la cultura occidental , por una parte la combativa amazona , por otra la virgen como una rosa que simboliza la serenidad y pureza, la artista en esta performance dispara su flechas sobre el cuadro de la virgen en forma de diana, significa más que la representación de los estereotipos agresiva-pasiva, en el video las dos imágenes e superponen con una doble faz, ulrike dispara su flechas a una imagen suya hibrida con la representación de la virgen, la agresión contra el cuadro se vuelve sobre si misma se identifica con ambos caracteres y un simple cambio de papel no da ninguna perspectiva, busca una nueva comprensión de lo femenino que no permita estereotipos donde lo opuesto se funda en un individuo ya no se puede destruir la imagen que estructura a la mujer.

Ulrike ve la performan como u ritual donde con su cuerpo como instrumento simbólico se asciende a una celebración de carácter religioso fue participe en gupos feministas espirituales asociados a la naturaleza y la gran diosa, una perspectiva subjetiva desde sí misma (atando una cámara a su propio cuerpo para representar su punto de vista) con una visión más amplia relacionada con los roles asumidos.

La mítica performan de Carole Shneemann ``interior scroll´´1975 fue documentada mediante fotografías si bien hay un posterior video de un performan que retoma el tema ``Interior scroll the cave´´1995 aquí la artista no se encuentra en un estudio de un artista posando como modelo sola planteándose su situación, la de la mujer en la historia del arte, el espacio es una cueva primigenia que conecta con lo simbólico femenino, y en vez de encontrarse sola esta rodeada de otras siete mujeres que repiten la acción , el acto culmina de una forma similar del su cuerpo desnudo y manchado de tinta o barro, extrae del interior de su vagina un papel enrollado que procede a leer, donde como un grito intimo reivindica el derecho de las mujeres sobre su sexualidad e identidad, esta voz propia emerge del propio cuerpo ``vulva´´ decontruye la simbología femenina y se percata que no tiene ningún sentir autentico ya que hasta sus sensaciones eróticas han sido construidas por las proyecciones patriarcales

Marina abramobic y su compañero ulay, trabajan con el cuerpo como materia prima, provocando experiencias físicas al espectador (reltion work 1976-80) explorando los límites físicos y mentales de su propio cuerpo ante la presencia de la cámara. la mayoría de las veces se encuentran próximos a la catarsis( gritos hasta la extenuación en ``AAAA´´ 1978) utilizando su mutua relación como elemento artístico comunicativo ``relation in space´´ donde ambos caminaban el uno hacia el otro desde un muro opuesto encontrándose en el centro el proceso se repetía cada vez más acelerado y con un impacto mas fuerte ) son acciones repetidas prolongadamente con una agresividad mutua que habla relaciones personales, la relación con los espacios y lo intimo y lo publico``light in the dark ´´1977 en el cual frente a frente se abofetan durante 2º largos minutos.

Con la tencnica y avances técnicos del video ser recurren a collages y montajes`` PM ``Magazine ´´(1982), de Dara Birnbaum, toma prestado su nombre de un famoso programa de televisión de gran audiencia. Apropiándose de la música e imágenes de emisiones reales y transmitiéndolas en cinco monitores, la artista parece sugerir que el espectador está dispuesto a ver cualquier cosa que salga en televisión, por banal que sea, o ``Technology/Transformation: Wonder Woman´´ (1978-79) donde demuestran claramente cómo los vídeos de mujeres pudieron alumbrar un nuevo discurso. Recurre a la violencia y la repetición con el fin de volver explícitamente absurda la ejecución automática de los roles de género

Si bien la pieza de Yoko ono ``cut piece´´1965-20003 nace de una idea de arte conceptual se distancia de este para ser una performan reinterpretada más adelante como un acto critico feminista. La coreografía se centra en su propio cuerpo, los espectadores suben al escenario y cortan trozos del vestido de la artista, evidenciando una relación sexualmente agresiva del público, con respecto al cuerpo de mujer.

La posmodernidad ha retomado las cuestiones de género, desde una perspectiva que difiere a su predecesoras, que trabajaban desde una reivindicación cercana a la política, en sus trabajos se mezcla cuestiones de género e individualismo narcisista. La francesa Orlan procede del arte conceptual performance y multimedia, ello ha generado en una transmutación de su propio cuerpo como receptáculo y muestra de significados, transcendiendo de su propio cuerpo en un acto casi autodestructivo contra la propia identidad ``la reencarnación de san orlan´´1990 crea una imagen derivada de su propia cara, que repite los estereotipos ideales de mujer de la imaginería masculina: mona lisa, antiguas pinturas de Diana, Psyche, Europa o Venus primero con recursos digitales, después transfigura su propia cara por medio de unas intervenciones quirúrgicas para recomponer esta imagen ideal, sus videos documentan estas acciones que demuestran lo artificial y sacrificado del alcanzar esta imposición simbólica, y construye un cuerpo femenino ``operation opera´´1991 ``madras´´1992 ``omnipresence 1993 ``operation reussie´´1994``omnipresence of self hybridations´´1999 su proyecto de performance es una ironía sobre la santidad haciendo pedazos de su cuerpo y esculpiendo sobre este, como una denuncia a las representaciones de lo femenino sometido a las fantasías masculinas y cánones de belleza.

Linda Benglis, trabaja desde los sesenta en cuestiones relativas a la identidad lesbiana en las que usa su propio cuerpo como tema de trabajo creando múltiples de su propia imagen, muestra la relación traumatica entre l realidad interior y exterior``homes tapes revised(1972), how’s trick ( 1976) female sensibility(1973) donde la acción se convierte en una dura afirmación de la pòlitica sexual de la mirada y del juego de roles con una nocion de una sesibilidad artística femenina propia y la ceencia de una fase lesbiana necesaria en la mujer. En la misma via discurre el trabajo de las contemporáneas Maria Beatty ,Sadie bening y Suzie Silver que en ``a spy hester reeve does the doors 1992 hace una mezcal provocadora donde interpreta el papel de Jesucristo haciendo un playback de un tema de los the doors se cuestiona la representación tradicional del cuerpo de Jesucristo, de hombre, dotándole la voz de un héroe contemporáneo, atreves de este cuerpo de mujer la representación adquiere un lenguaje grotesco

Casi toda la historia de las mujeres y el vídeo ha transcurrido en Estados Unidos

Cheryl Donegan realiza un ritual de auto castración, la artista va comiéndose una barra de pan sujeta entre sus piernas ``gang´´ (mordaza) 1991 hace referencia a Lacan y Freud y el significado que le otorgaban a la mujer como castración o falta de pene.

Bettina gruber en`` Nicht nur engel Haben Flugel( no solo los angeles tiene alas )1991 muestra en televison desnudos integrales de hombres parodiando las representaciones, se muestran en actitud pasiva y de las posturas habituales de los productos eroticos protagonizados por mujeres, al invertir el gener se ve lo ridículo de tales representaciones que se muestran y aceptamos como naturales pese a ser artificial y construido.

Pese a que casi toda la obra de video se ha creado en EEUU actualmente aunque con dificultades, los medios técnicos se han difundido a otras esfera geográficas, marginadas también en el ámbito histórico y artístico creando unos discursos que difieren de la visión homogenizada occidental, estas representaciones de otras culturas tienen su propias representaciones y símbolos, en el caso de la identidad de género , las mujeres artistas abordan el tema desde su situación tanto social como simbólica. En América Latina la video performan se propago rápidamente desde el principio de los años setenta, sin formación técnica y con escasos recursos a su disposición, las artistas latinoamericanas Anna Bella Geiger (Brasil) o Lotty Rosenfeld (Chile), entre muchas otras, produjeron expusieron su obra en vídeo, creando grupos como Polvo de Gallina Negra, o Parto Solar, Tlacuilas y Retrateras.

Shirin Nesant que se dio a conocer con una serie de fotografías sobre el cambio dramático experimentado por las mujeres iraníes a partir de la revolución islámica de 1979, paradójicamente la mujer está bajo un conjunto de reglas subordinadas al hombre, por otro lado iguales en la guerra. Concluye su trabajo con el video ``turbulent´´1998 se trata de una video proyección doble que toma la forma un duelo musical, por un lado nos presenta a un cantante iraní que interpreta una tradicional canción de amor, en un teatro se le ve en un primer plano de espaldas a ante un auditorio repleto de público masculino, al concluir su canción y recibir su aplauso , un gruñido procede de la pantalla situada paralelamente, llegando a ser un lamento desafiante y doloroso lo cual acapara la atención del público como del cantante, este sonido proviene de una mujer que ha esperado en silencio, de espaldas, parece encontrarse en el mismo escenario pero sin publico que la escuche. Las dos imágenes son antagónicas, el cantante repite la tradición e imita las palabras convencionales de amor, en cambio ella habla en una lengua incomprensible pero más sensible y real y grita por un cambio ,los contraste opuestos del blanco ye negro la mujer y el hombre un espacio vacío y lleno crean un discurso sobre la diferencia sexual en la sociedad islámica pero también sobre las fronteras de los que tienen poder y los que no, los escuchados en la historia , sociedad y los silenciados.

Fatimah tugar analiza este poder tecnológico y la forma en que influyen en la sociedad y en la mujer, sus videos fusionan elementos de la sociedad de consumo occidental con imágenes de Nigeria tratando los arquetipos de la vida domestica femenina ``fusión cusine´´2000 Pretende deconstruir estos estereotipos abordando los roles femeninos con sus diferencias en ambas sociedades, la sociedad occidental se representa con una mezcla de anuncios norteamericanos de los años cincuenta donde se muestra productos para el hogar y electrodomésticos destinados a la mujer perfecta, en una casa de clase media alta perfecta. Del bajo capitalismo tardio. Estas imágenes se combinan con un documento de la vida cotidiana de la mujer en la Nigeria contemporánea ( una sociedad colonial) que se desarrolla en el ámbito domestico. Es a su vez una crítica a la sociedad de consumo y su creación del deseo, y se ríe del sueño de la mujer americana, contrastándola con el día a día de la experiencia femenina en sociedades no capitalistas. Este vídeo divertido revela la necesidad de reconocer los abismos entre mujer y mujer.

Ideas de reparación y recuperación figuran igualmente en ``A Kiss is not a Kiss´´ (2000), por la iraní Elahe Massumi es una obra que denuncia la prostitución infantil en la India. Grabada en Nuevo Delhi, es una vídeo-instalación de cuatro canales que narra la historia de una niña que abandona su pueblo tras ser vendida, hasta el momento en que la vemos yaciendo en una cama de hospital. Las secuencias atraviesan las cuatro pantallas en una sucesión, un ciclo interminable de repeticiones como la rutina cotidiana padecida por la protagonista, cuyo cuerpo se ve usado una y otra vez por los clientes Su tema es el poder, el abuso y la violencia. Lo único evidente es que no estamos ante un documental de televisión.

Mariko Mori, en ``Kunamo´´ (1999), trata sobre el deseo, de un modo personal al que es preciso sumergirse, para no perder contacto con su momento creativo. La japonesa Mori destapa para el espectador unos íconos futuristas tomados de la cultura mediática contemporánea, mezclados con la tradición y, en sentido figurativo, la espiritualidad. Formada en Londres y Nueva York, la artista combina oriente y occidente con su propio cuerpo, de líneas adolescentes, y todo aquello cobra vida en la pantalla. Ella es la ejecutante, seduciendo al espectador con sus ojos brillantes.

A lo largo de cuatro décadas, la tecnología del vídeo se ha transformado; también ha sido el soporte para un complejo discurso estético armado por artistas, tanto mujeres como hombres. Las mujeres de ahora no son las mismas que las de los años sesenta, persiguen otras metas y otros desarrollos creativos pero es indiscutible que sin ellas no se podría haber logrado esta posibilidad

BIBLIOGRAFÍA:

La vigilia del cuerpo, Pedro A. Cruz Sánchez .ed. Tabularium
Video1etapa.Laua Baigorri .Ed.Brumaria
Kiss kiss Bang Bang (45 años de arte y feminismo) Xavier Arakistain, Griselda pollock, Amelia Valcarcel, Lourdes mendez,

Maria Xose Agra Romero,Linda Nochhlin,Maura reilly… ed. Fundación museo de bellas artes de Bilbao.2007

http://es.youtube.com

D.Kharis